Nos encontramos con él en su espacioso estudio de Madrid con la pretensión de pasar juntos un minuto de tranquilidad, pero el interés que cobra nuestra improvisada reunión hace que ésta se prolongue hasta pasada la hora de duración. Una de las primeras cosas que nos sorprenden de su obra es la disparidad de formas artísticas en las que Manuel se mueve. Fotografía, sí, pero también trabajo con vídeo, intervenciones en espacios públicos, “performances”… La primera pregunta que se nos plantea ante esta multidisciplinariedad artística resulta evidente: ¿cuál es el proceso que sigue el artista plástico?, ¿responde a un proceso de formación o es una cuestión más autodidacta?. Es una cuestión de la propia evolución de tus necesidades expresivas, nos aclara. Se trata de representar tus tendencias, tus vivencias, tus emociones a través del arte y eso es un proceso que va evolucionando con el paso del tiempo. Además, a mi me gusta el aspecto narrativo del arte, el de contar historias a través de la imagen en sus múltiples facetas, algo que el sentido abstracto del arte descuida.

Pese a la austeridad del estudio donde nos encontramos o, quizás gracias a ella, el ambiente que nos envuelve desprende una curiosa sensación de libertad. Esa libertad creativa que todo artista se ve obligado a comprometer en alguna ocasión en pro de las necesidades del mercado. A este asunto Manuel lo califica de trampa. Una auténtica trampa en la que los creadores tenemos que estar con los ojos abiertos para no caer de una manera gratuita y complaciente, haciendo concesiones a las leyes del mercado. De no ser así, se acaba imitando corrientes, algo que va en decrecimiento de la credibilidad del artista. No obstante, y con total sinceridad, Manuel también nos comenta que le encanta cuando consigue recursos o financiación para próximos proyectos. Evidentemente esa relación de propulsión de tu obra artística es la recompensa económica que te permite seguir conociendo, seguir creando, ir haciendo cosas… lo que pasa es que a lo largo de lo que ha sido mi experiencia, ha habido temporadas muy buenas y temporadas muy malas en las que no consigues encajar tu trabajo con las corrientes comerciales. En esos momentos es cuando tienes que replantearte cómo seguir ejerciendo tu actividad creativa un poco al margen de lo que puede ser la compensación del mercado. Y es que esta libertad creadora es algo que hoy en día resulta muy difícil si te dedicas exclusivamente a la producción artística. De hecho, Manuel compagina su faceta creativa con la docente y es profesor de dibujo, pintura y fotografía en diversas escuelas de Madrid.

Nuestra charla fluye con natural espontaneidad en el estudio del artista, situado enfrente del Palacio de Congresos y el cual, nos explica, le hace las veces de hogar. Sin saber casi como, nos encontramos hablando de la teoría psicológica de las necesidades, más conocida como Pirámide de Maslow, y el papel que en ella juega la cultura. Dicha teoría defiende que conforme se satisfacen las necesidades más básicas, los seres humanos desarrollan necesidades y deseos más elevados. Yo creo que la cultura es algo extremadamente enriquecedor, y no te estoy hablando como productor cultural si no como consumidor cultural. La cultura interesa a la gente como un escalón con el que, una vez cubiertas una serie de necesidades básicas, te puedes enriquecer y ampliar tu concepto de las cosas a través de sus diferentes manifestaciones: el arte, el cine, la música… todos ellos pequeños alicientes que hacen que la vida sea un poco mejor. A este respecto, y aprovechando su doble vertiente de creador/consumidor, le preguntamos su opinión sobre ese término tan en voga dentro del campo de la gestión cultural que es el de la “democratización de la cultura”. El principal problema que detecta Manuel respecto a esta cuestión es que, sobre todo en la gestión cultural pública, se atiende más a criterios de rentabilidad social, a las cifras, que a la calidad del producto que se quiere mostrar. Bajo mi punto de vista deben primar siempre los criterios de calidad sobre los criterios de rendimiento social. Quizás la gestión cultural tendría que ser más hábil e ir alternando programaciones con mayor participación social con otras que pudiesen ser, ente comillas, más interesantes, más comprometidas, de más difícil acceso y que también contribuyesen a la formación y educación. Le preguntamos si una programación de calidad y comprometida no puede ser compatible con el hecho de que mucha gente acuda a visitarla. Hay casos en que sí, nos asegura. Pero, por ejemplo, en el terreno en el que yo me muevo, el del arte contemporáneo en España y, concretamente en Madrid, todavía son muy escasos los circuitos de fórums, de debates, de museos, de salas institucionales  donde los creadores contemporáneos podamos mostrar nuestra obra, y donde haya una programación continuada donde surjan debates, reflexiones, participaciones… etc. Desde revistatecnic.net entendemos que el apoyo de la administración pública se hace necesario para conseguir esto, pero ¿es desdeñable el papel que puede jugar el patrocinio de la empresa privada? Yo creo que ese es un tema muy interesante y poco explotado aquí en España. No hace mucho, con motivo de la “Noche en Blanco” pudimos ver cómo la intervención de Eugenio Ampudia¹ estaba patrocinada por una macrocadena de grandes almacenes de importante implantación aquí en España. Me parece perfecto que la empresa privada apoye no solamente manifestaciones deportivas o muy masivas como conciertos, sino también esta parte más vanguardista de intervención de un artista en un espacio más simbólico. Yo apuesto por un modelo de gestión cultural que busque ese híbrido entre lo público y lo privado.

El clima generado durante la entrevista no puede ser más cálido. La amabilidad e interés con la que Manuel responde a cada una de nuestras preguntas hace que nos olvidemos del paso del tiempo, pero ha llegado el momento de que le planteemos el último interrogante. Durante nuestra charla, Manuel nos ha comentado que fue presidente de la Asociación de Artistas Madrileños creada en 1995 con el objetivo de negociar con el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, así como con otros ayuntamientos periféricos, la consecución de un espacio que mejorase la precaria situación que una capital como Madrid estaba atravesando en materia de creación artística contemporánea. Pasando a un nivel algo más político, le preguntamos por las principales reivindicaciones de esa primigenia asociación de mediados de los años 90 que aún quedan por resolver. La principal reivindicación es que en una ciudad como Madrid, que pretende ser una capital importante dentro del contexto europeo, todavía no se concede la atención que la creación contemporánea requiere. El problema que tenemos en Madrid es que hay grandes “aparatos” culturales como puedan ser el Prado, el Reina Sofía, el Thyssen… y todo eso da mucho dinamismo, pero lo que es la cultura del productor, del artista madrileño contemporáneo no está bien atendida. Al final es una cuestión de voluntad política. El Ayuntamiento de Madrid ha empezado a trabajar por buen camino, pero el apoyo de la comunidad sigue siendo casi nulo.

Nuestra charla llega a su fin. Dijo en una ocasión David Hockney, uno de los principales contribuyentes del Pop Art inglés de los años sesenta, que no es necesario creer en lo que dice un artista, sino en lo que hace. Nosotros, desde aquí, no sólo hemos creído en la obra de Manuel Rufo, sino también hemos coincidido en todo lo que nos ha dicho.

Junto con Mar tenemos un conversación muy productiva, nos interesa sobre todo su opinión acerca de la proximidad de la escultura en general con el ciudadano de a pie, del pequeño comprador… La mayoría de las grandes piezas las adquieren instituciones, el pequeño comprador sólo consigue aquello que se exhibe, y esto es una representación minoritaria de lo que se produce. Pero si es verdad que no todo lo que se hace tiene la posibilidad de ser vendido, asegura Mar.

La creadora tiene una visión muy particular sobre el aprovechamiento social del arte, nosotros le mostramos la opinión generalizada de que el arte se está convirtiendo en un mercado demasiado volcado en la tendencia. En este sentido Mar es contundente, el artista no crea necesidades, el creador se nutre de experiencias sociales y es en ese momento cuando el mercado se dirige hacia su propia obra, porque hace tangible una necesidad colectiva que ya existe, solamente la refleja.

A los diez minutos de conversación suena el móvil de Mar, ella rápidamente se disculpa y se escusa con el interlocutor que tiene al teléfono y cuelga. Vuelve a reiterar sus mil perdones, apaga el teléfono y seguimos nuestra interesante conversación que nos lleva por otros derroteros. Hablamos de la importancia de la utilización de las tecnologías por parte de los escultores. Las tecnologías modernas son perfectamente compatibles con la escultura, así como otros artistas utilizan la escultura en aplicación para sus creaciones, del mismo modo utiliza un escultor la tecnología para su trabajo, comenta Mar.

El tiempo se nos va, hablamos de todo un poco, también de Madrid como espacio de producción de arte y de las carencias de la ciudad en este tipo de espacios, aunque si tenga un amplio mercado de equipamientos para mostrar.

Después de una hora de amena conversación, nos invita a observar alguna de sus piezas, nos dirigimos a la Galería Raquel Ponce y charlamos un momento con su gerente que está en plenas obras de traslado. Finalmente nos despedimos de Mar y le agradecemos mucho que nos haya atendido con tanta amabilidad, casi como si fuéramos viejos amigos.

Según palabras publicadas por el crítico Juan-Ramón Barbancho en nexo5, Mar ha tenido, desde sus primeras exposiciones, un especial empeño por hacer participar el espacio en sus obras, creando así un lugar en el que el espectador pueda relacionarse con la escultura. Desde revistatecnic.net queremos entender que esta observación se refiere a la sensación que nos ha transmitido Mar Solís a favor de la democratización de la cultura, no solamente con sus palabras, sino también con sus hechos.

Por otra parte la galería ha sufrido recientemente una fuerte transformación: además de haberse mudado unos números más allá en la misma calle del centro histórico de Valencia, también a nivel organizativo ha dado un giro de tuerca. Lo que hoy en día conocemos como Espai Visor, fue durante más de 25 años, la Galería Visor, creada y dirigida por Pep Benlloch (1), un ejemplo único en este país por especializarse desde sus inicios en el campo de la fotografía. Una de las características que más llama la atención del nuevo espacio es la creación de un pequeño y acogedor restaurante – hemeroteca en la planta baja de la galería-, en él, podemos deleitarnos con sus exquisitos platos mientras leemos las últimas revistas de arte contemporáneo. Mira nos cuenta cómo y por qué este nuevo inserto en la galería “Visor siempre tuvo la parte de la galería y por otro lado, una escuela de fotografía, la cual con el paso de los años, fue decreciendo en número de alumnos hasta que resultó ser insostenible y se cerró, entonces se decidió que esta otra parte de la galería se reconvirtiese, queríamos mantener el espíritu de la galería en lo que era su parte de escuela, la cual posibilitaba un mayor contacto con la gente en general, entonces decidimos montar una hemeroteca, y el restaurante se creó para dotarla de algún tipo de salida, algún beneficio a todas las suscripciones en las que estamos, que es mucho dinero mensual. No hay que olvidar que los beneficios principales, y los salarios de los que aquí trabajamos salen de la galería, que es el proyecto número uno y lo que verdaderamente nos apasiona”. De esta pasión hemos hablado largo y tendido, actualmente Espai Visor tiene tres directores: Pep Benlloch, Miriam Lozano y Mira Bernabeu, todos ellos íntimamente ligados al mundo artístico y de la fotografía. A la hora de elegir a los artistas que han de trabajar en la galería, los criterios son claros y precisos: “nos tiene que gustar la línea de trabajo de los artistas, la forma en que se defienden, nos fijamos en que el artista tenga un proyecto verdaderamente serio. No nos interesan los artistas que únicamente van documentando el mundo por series. Nos gusta que los artistas tengan un componente conceptual y un discurso intelectual bien estructurado y que sepan lo que quieren, independientemente de que se equivoquen, pero no nos interesan nada los que se van rigiendo por modas de Neo2 o los trabajos que están haciendo otros. Nos cuesta decidirnos, somos tres y tenemos que estar de acuerdo, porque a la hora de defender a un artista es muy importante que haya un consenso, porque si no, uno defiende a unos, otro a otros, y esto no es serio, ni para la galería ni para el artista”.

Para terminar, le pregunto acerca de su opinión en relación a las políticas culturales en España, la respuesta es clara: “Lo primero que cabe destacar es que las relaciones entre galerías y administración pública es mínima, no sé cómo se podría vincular una y otra cosa, cada uno lleva su línea, el único punto de conexión, son las mínimas ayudas que dan los gobiernos a las galerías para que podamos ir a las ferias internacionales de arte. Por otra parte, desde la gestión cultural, veo dos carencias muy fuertes, y que repercuten de manera decisiva en el arte contemporáneo español, que son: La mayoría de las instituciones, tanto locales como nacionales no tienen una programación sólida, no existen programadores ni gestores culturales que tengan experiencia y coherencia ,que den solidez al centro, no siguen una línea de trabajo o de investigación y se convierten en exposiciones esporádicas que no tienen que ver una con la otra, con lo cual no se está educando ni al espectador, ni al mundo del arte, ni a nadie. Simplemente es como “vamos a rellenar el expediente y que la sala no quede vacía” es decir, falta una programación seria, y esto no se va a conseguir hasta que los programadores y los gestores culturales de estas salas no sean completamente independientes del órgano de poder. Algunos centros sí lo han conseguido y son estos centros los que han logrado la mayor rentabilidad cultural e internacionalización de sus salas, como puede ser el MACBA. El otro fallo fundamental de las instituciones en general es que se dedican a hacer grandes eventos que no benefician en absoluto ni al arte contemporáneo ni a los jóvenes artistas, si realmente toda esta inversión repercutiese para la creación de becas, intercambios con el extranjero, ayudas a tener estudios, a galerías jóvenes que empiezan, etc., es decir, a un proyecto de base, no tendríamos uno del espectáculo de grandes eventos, que pueden dar un poco de publicidad en los periódicos y poco más…”

Más info: www.espaivisor.com

(1) Pep Benlloch es profesor en la Universidad Politécnica de Valencia.